Irony & Gesture | KUKJE GALLERY
Jul 17, 2008 - Aug 14, 2008
K1
Seoul
INTRODUCTION
Irony and Gesture:British contemporary art exhibition
Kukje Gallery, Seoul, Korea
Date: 17th- 14th August 2008
Contrarium ei quod dicitur intelligendum est(In which something contrary to what is said is to be understood) - Quinitilian (cAD. 40-95)
The understanding of irony has its origin in theatre and rhetoric. The earliest uses of the word ‘eironea’ can be found in works by Plato and Aristotle, with later Latin writers such as Cicero and Quintilian also providing definitions for this term. They saw irony as a special case, a decoration within an otherwise simple and literal language of representation.
All of this changed in the nineteenth century when the Romantics insisted that simple and representational world was only possible of the fluid and creative nature of language is ignored. Thus, if one accepts that language is not fixed, but is subject to change and creativity, the gap between word and the world itself, which they saw as irony, was unavoidable. Thus, to the Romantics, the truth of life did not lie in a single fixed, adequate representation, but more in the questioning and understanding the gap, the ironies coming from various representations.
Thus, to the Romantics, it was literature that held the truth of life, because it was ironic. And it is not surprising that the two figures which the Romantics saw as the most important figures and past masters of Romantic irony were two English figures; William Shakespeare and William Blake. These two figures had an impact on the language that can not be overestimated. And it is in Blake that we find the earliest examples of deliberate use of irony in visual representation, such as his ‘Newton’, whose 3-dimensonal representation by Eduardo Paolozzi can be found in the court of the British Library.
It is ironic to find that visual art, whose gap between representation and the world is the most obvious compared to other art forms, was far behind the times in the exploration of irony compared to literature. This may have been due to dominance of Modern art where artists were searching for their own singular unique representation, or when they were actively searching for the break between their work and the world around them. It seems that it is only in this recent postmodern age where contextual understanding is becoming important that this exploration and understanding gap between representation and truth (or truths) seems to gaining ground in the understanding and practice of visual art. And the practice of visual art is a multi-dimensional gesture, used to communicate this imperfect representation to those who sees it, and thus also makes them more aware of the gap and the world as they understand it. And I believe that this is one of the reasons why contemporary art that explores and utilizes irony can be so fascinating, as it can trigger many different responses and understanding according to each viewer.
The artists invited for this exhibition are characterized not only by their strong personal vision and their artistic practice, but also by their strong understanding and exploration of the world around them. It is this understanding, or their striving for understanding, that imparts the clearer understanding of the gap that imparts irony to their works, which, contrary to the original definition by Quintilian, provides a truer vision of the world.
영국현대미술전 아이러니 & 제스츄어 Irony & Gesture는 다양한 문화와 현실들이 글로벌화를 통해 매우 급속도로 변화하고 있는 포스트모던 시대적 맥락에서 생산되는 동시대 미술의 중요한 담론과 연계된 ‘아이러니’, 즉 실재적 진실과 현실 사이에서 발생되는 미묘한 간극을 주제로 하는 전시이다.
일반적으로 ‘아이러니’에 대한 정의는 아리스토텔레스와 플라톤이 사용한 ‘에이로니아’라는 단어에서 그 기원을 갖는다. 처음에는 고대 연극과 수사학에서 불명확한 의미 전달을 야기하는 부정적인 어감을 전달하는 개념으로 되었지만, 19세기 이후 낭만주의자 문학가들에 의해서 새로운 긍정적인 해석과 개념이 되었다. 즉, 세상의 본질을 단순화시켜서 말을 하거나, 재현한다는 사고 자체에 대한 강한 부정을 통해 아이러니를 통한 표현이 가지는 새로운 창조성이 인정되었고, 현실이라고 생각하는 실체와 그것의 창조적인 재현들로 표현되는 모든 것들 사이에 있는 간극인 ‘아이러니’에 대한 새로운 정의를 갖게 되었다.
본 전시는 이러한 개념으로 발전되어, 현실을 반영하는 동시대 작가들에게서 발견할 수 있는 ‘아이러니’에 대한 영국작가들의 해석을 접근해보는 전시이다. 영국의 문학과 대중문화 내에 깊이 내제하는 이 ‘아이러니’에 대한 해석과 접근은 다양한 해학과 블랙 유머로 확장되어, 영국문화를 드러내는 가장 중요한 특징 중 하나로 존재한다. 특히 이러한 내용은 전통적으로 세익스피어 이후 강한 문학적인 문맥에서 시작되었으며, 이 ‘아이러니’적 접근을 통해 이성적 사고에 의한 현실과 진실에 대한 표현과 재현의 한계를 넘으려는 다양한 노력들은, 영국 미술전반에 있어 지속적으로 보여지는 특징들 중에 하나이다.
본 전시에 소개되는 11명의 작가들의 작품은 그들의 개인적인 작품세계만으로 특징되는 작가들일뿐만 아니라, 그들이 생각하는 세계에 대한 관심과 이해 및 재해석을 탐구하는 작가들이다. 선정된 작가들은 영국의 팝아트의 아버지로 불리워지는 리챠드 해밀톤Richard Hamilton, 2006년 터너 프라이즈 수상작가 잉카 쇼니바레Yinka Shonibare, YBA(Young British Artist)대표작가중 한명인, 영국1988년 골드스미스 졸업전시인 ‘프리즈’ 전시를 통해, 데미안 허스트와 함께 소개된 싸이몬 패터슨Simon Patterson등이다.
아이어니& 제스츄어에서는 화이트큐브인 갤러리의 공간에 각 작가들을 구분시켜 소개하는 방식이 아닌, 매우 분주하고 역동적인 공간 연출을 통해 전시되는, 각 작품 자체 내에서 서로 만들어 내는 새롭고 다양한 아이러니들을 발견하게 될 것이다.
Kukje Gallery, Seoul, Korea
Date: 17th- 14th August 2008
Contrarium ei quod dicitur intelligendum est(In which something contrary to what is said is to be understood) - Quinitilian (cAD. 40-95)
The understanding of irony has its origin in theatre and rhetoric. The earliest uses of the word ‘eironea’ can be found in works by Plato and Aristotle, with later Latin writers such as Cicero and Quintilian also providing definitions for this term. They saw irony as a special case, a decoration within an otherwise simple and literal language of representation.
All of this changed in the nineteenth century when the Romantics insisted that simple and representational world was only possible of the fluid and creative nature of language is ignored. Thus, if one accepts that language is not fixed, but is subject to change and creativity, the gap between word and the world itself, which they saw as irony, was unavoidable. Thus, to the Romantics, the truth of life did not lie in a single fixed, adequate representation, but more in the questioning and understanding the gap, the ironies coming from various representations.
Thus, to the Romantics, it was literature that held the truth of life, because it was ironic. And it is not surprising that the two figures which the Romantics saw as the most important figures and past masters of Romantic irony were two English figures; William Shakespeare and William Blake. These two figures had an impact on the language that can not be overestimated. And it is in Blake that we find the earliest examples of deliberate use of irony in visual representation, such as his ‘Newton’, whose 3-dimensonal representation by Eduardo Paolozzi can be found in the court of the British Library.
It is ironic to find that visual art, whose gap between representation and the world is the most obvious compared to other art forms, was far behind the times in the exploration of irony compared to literature. This may have been due to dominance of Modern art where artists were searching for their own singular unique representation, or when they were actively searching for the break between their work and the world around them. It seems that it is only in this recent postmodern age where contextual understanding is becoming important that this exploration and understanding gap between representation and truth (or truths) seems to gaining ground in the understanding and practice of visual art. And the practice of visual art is a multi-dimensional gesture, used to communicate this imperfect representation to those who sees it, and thus also makes them more aware of the gap and the world as they understand it. And I believe that this is one of the reasons why contemporary art that explores and utilizes irony can be so fascinating, as it can trigger many different responses and understanding according to each viewer.
The artists invited for this exhibition are characterized not only by their strong personal vision and their artistic practice, but also by their strong understanding and exploration of the world around them. It is this understanding, or their striving for understanding, that imparts the clearer understanding of the gap that imparts irony to their works, which, contrary to the original definition by Quintilian, provides a truer vision of the world.
영국현대미술전 아이러니 & 제스츄어 Irony & Gesture는 다양한 문화와 현실들이 글로벌화를 통해 매우 급속도로 변화하고 있는 포스트모던 시대적 맥락에서 생산되는 동시대 미술의 중요한 담론과 연계된 ‘아이러니’, 즉 실재적 진실과 현실 사이에서 발생되는 미묘한 간극을 주제로 하는 전시이다.
일반적으로 ‘아이러니’에 대한 정의는 아리스토텔레스와 플라톤이 사용한 ‘에이로니아’라는 단어에서 그 기원을 갖는다. 처음에는 고대 연극과 수사학에서 불명확한 의미 전달을 야기하는 부정적인 어감을 전달하는 개념으로 되었지만, 19세기 이후 낭만주의자 문학가들에 의해서 새로운 긍정적인 해석과 개념이 되었다. 즉, 세상의 본질을 단순화시켜서 말을 하거나, 재현한다는 사고 자체에 대한 강한 부정을 통해 아이러니를 통한 표현이 가지는 새로운 창조성이 인정되었고, 현실이라고 생각하는 실체와 그것의 창조적인 재현들로 표현되는 모든 것들 사이에 있는 간극인 ‘아이러니’에 대한 새로운 정의를 갖게 되었다.
본 전시는 이러한 개념으로 발전되어, 현실을 반영하는 동시대 작가들에게서 발견할 수 있는 ‘아이러니’에 대한 영국작가들의 해석을 접근해보는 전시이다. 영국의 문학과 대중문화 내에 깊이 내제하는 이 ‘아이러니’에 대한 해석과 접근은 다양한 해학과 블랙 유머로 확장되어, 영국문화를 드러내는 가장 중요한 특징 중 하나로 존재한다. 특히 이러한 내용은 전통적으로 세익스피어 이후 강한 문학적인 문맥에서 시작되었으며, 이 ‘아이러니’적 접근을 통해 이성적 사고에 의한 현실과 진실에 대한 표현과 재현의 한계를 넘으려는 다양한 노력들은, 영국 미술전반에 있어 지속적으로 보여지는 특징들 중에 하나이다.
본 전시에 소개되는 11명의 작가들의 작품은 그들의 개인적인 작품세계만으로 특징되는 작가들일뿐만 아니라, 그들이 생각하는 세계에 대한 관심과 이해 및 재해석을 탐구하는 작가들이다. 선정된 작가들은 영국의 팝아트의 아버지로 불리워지는 리챠드 해밀톤Richard Hamilton, 2006년 터너 프라이즈 수상작가 잉카 쇼니바레Yinka Shonibare, YBA(Young British Artist)대표작가중 한명인, 영국1988년 골드스미스 졸업전시인 ‘프리즈’ 전시를 통해, 데미안 허스트와 함께 소개된 싸이몬 패터슨Simon Patterson등이다.
아이어니& 제스츄어에서는 화이트큐브인 갤러리의 공간에 각 작가들을 구분시켜 소개하는 방식이 아닌, 매우 분주하고 역동적인 공간 연출을 통해 전시되는, 각 작품 자체 내에서 서로 만들어 내는 새롭고 다양한 아이러니들을 발견하게 될 것이다.
INSTALLATIONS
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