NEW WORKS | KUKJE GALLERY
Dec 17, 2020 - Jan 31, 2021
K1
Seoul
INTRODUCTION
Kukje Gallery is pleased to announce NEW WORKS, a solo exhibition of the French contemporary artist Jean-Michel Othoniel, on view from December 17, 2020, through January 31, 2021. Following Othoniel’s first solo show at Kukje Gallery in 2016, this exhibition will be his second with the gallery and also his first held in the newly renovated K1 building. NEW WORKS will be installed across the two exhibition spaces on the ground floor of the building and will include glass sculptures, lithographs of watercolor drawings, and paintings which mark a new milestone in Othoniel’s artistic practice. All of these new works were created during the lockdown caused by Covid-19. The exhibition not only presents a “new” and emboldening body of work during this period of distress, but also embodies the artist’s commitment to aesthetic contemplation and the immutable beauty that remains even during our current chaos.
Jean-Michel Othoniel’s varied artistic vocabulary takes inspiration from spiritual practices and religious traditions rooted in different cultures and generations, as well as from his own personal experiences. Employing “transformable” materials such as glass, sulfur, and wax, the artist deftly uses a wide range of techniques and experiments that can implement “acts of intervention,” where materials evolve and change in form through the application of external forces such as fire and air. Additionally, Othoniel has expanded the boundaries of his practice by collaborating with skilled craftsmen based in Italy, Japan, India, and Mexico.
Facing the streets of Samcheong-dong through its corner windows, the first of the two galleries in K1 showcases new works from the ongoing series Precious Stonewall. Created in dialogue with Indian glass artisans, the title of the series borrows from the historic Stonewall Riot (1969), when the LGBT community stood up against police violence and discrimination in New York City. The new major body of sculptures is a result of Othoniel’s latest research into glass—material the artist most identifies with—and his first attempt at this level of architectural scale. On a journey to Firozabad, India, in 2010, the artist was deeply impressed by local craftsmen working with glass under sweltering heat, which prompted the artist to learn traditional glassmaking techniques of India and together design a new unit of composition: a glass brick. The artist was also struck by the Indian custom of piling bricks prior to building a house, a gesture he repeatedly witnessed throughout the duration of his travels in India. Contemplating the meaning of this distinctive serial form, the artist adopted the construction unit of brick as a formal element of his artistic vocabulary. For Othoniel, the brick is one of the most rudimentary and universal elements shared by all humanity, and symbolizes the primitive yet essential desire for “living.” By reinterpreting the brick into the fragile material of glass, Othoniel brings attention to the innately paradoxical character of the material, as being both solid and precious. For NEW WORKS, Othoniel presents a new version of Precious Stonewall using two distinctive colors. Shown alongside this work in the center of the exhibition space is Stairs to Paradise, which is constructed with blue glass bricks forming a set of stairs. The ethereal work captures the human desire to reach heaven or paradise, framing how the humble modular unit of the brick has led the artist to go beyond sculpture, morphing into an architectural installation that transforms the gallery space.
The passage that connects the first and second exhibition spaces showcases a series of lithographs made from original watercolors that correspond to Precious Stonewall. Recalling the glass paintings produced by the twentieth-century German artist Josef Albers during his years as a teacher at the Bauhaus, the lithographs illustrate Othoniel’s shared passion for color, one of the basic elements of art. A simple composition of two colors—translucent and dark blue, yellow and emerald green, blue and gray, and so on—serves as a frame for the viewer to experience Othoniel’s unique way of seeing the world of abstraction beyond a mere representation of sculptural works.
Featured in the second gallery space is a series of sculptures and paintings depicting roses. The rose is a flower which has long played a key role in Othoniel’s practice and symbolizes his great admiration for nature, often reappearing in his work. As a testament to how the flower has served as an important theme in Othoniel’s artistic vocabulary, the exhibition will feature six pieces from his La rose du Louvre paintings, four new rose paintings, and four rose sculptures. La rose du Louvre paintings are exceptionally meaningful to the artist as they were recently made part of the permanent collection of the Louvre Museum after having been produced as commissioned works for the thirtieth anniversary of the I. M. Pei-designed glass pyramid in 2019. Othoniel has a long relationship with the iconic museum, and after an extensive study of their vast collection, he discovered a rose in Rubens’ The Wedding by Proxy of Marie de Medici to King Henry IV. This form was then transformed into an abstracted version of the rose and painted in black ink on a field of white gold leaf. Also shown are rose sculptures that further epitomize Othoniel’s interest in flowers. Three rose sculptures from the series of Rose of the Louvre, sharing a similar formality with the artist’s earlier mirrored glass sculptures, are coated in pink, highlighting the vitality embedded in the iconic blossom. The black rose, on the other hand, is colored with a dense black matte, thereby creating a powerful tension between the two symbolic flowers.
This highly symbolic exhibition will provide an opportunity to explore how “transformation” and “metamorphosis” serve as central elements in the artist’s practice and how particular materials play a poetic role in his vocabulary. By transforming the everyday, universal unit of bricks into the luxurious material of glass, Othoniel highlights the contrast between strength and fragility. Further, Othoniel transforms the original quality of nature contained in his dynamic roses by explicitly playing with the internal and external, mirroring, and light and dark. His expansive artistic experimentation allows the viewer to contemplate timeless and passionate beauty, and invites the audience to immerse themselves in the artist’s uniquely wondrous and symbolic world.
About the Artist
Born in 1964 in St. Étienne, France, Jean-Michel Othoniel now lives and works in Paris. From 1985, before graduating from the École Nationale Supérieure d’Arts, Cergy-Pontoise in 1989, he actively exhibited sculptures, installations, and media works. Othoniel received international recognition after his participation in dOCUMENTA IX (1992) in Kassel, Germany, where the artist showcased his groundbreaking sulfur sculpture. In 2000, Othoniel received his first public commission to transform the Parisian subway station Palais-Royal – Musée du Louvre in celebration of its hundredth anniversary, for which he installed Le Kiosque des Noctambules, made of Murano glass and aluminum. In 2015, the Palace of Versailles welcomed the artist’s Les Belles Danses as the first permanent installation inside its gardens. In 2019, Othoniel was commissioned to create La rose du Louvre by the Louvre Museum, and the original paintings remain permanently in the collection and in situ.
Recent major solo exhibitions include Nudos Salvajes, Arte y Matematicas (2019) at the Centre Culturel Néstor Kirchner, Buenos Aires; Motion – Emotion (2018) at Musée des Beaux-Arts de Montréal; Face à l’obscurité – Facing Darkness (2018), Musée d’art contemporain de Saint Etienne; Géométries Amoureuses (2017) at Centre Régional d’Art Contemporain d’Occitanie and Pyrénées –Méditerranée à Sète; Invisibility Faces (2015) at Goetheanum, Dornach; and Jean-Michel Othoniel: Secret flower sculptures (2015) at Isabella Stewart Gardner Museum, Boston. Othoniel has also participated in numerous group exhibitions at institutions including the Contemporary Arts Museum Houston (2019); Musée des beaux-arts de Caen (2019); Centre Pompidou, Paris (2018); Grand Palais, Paris (2017); Palais de Tokyo, Paris (2015); and Bass Museum of Art, Miami (2014). His works are housed in numerous renowned collections such as the Centre Pompidou, Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, and the Louvre Museum Paris; Museum of Modern Art and New York Public Library, New York; Boghossian Foundation, Brussels; Leeum Samsung Museum of Art, Seoul; Budi Tek-Yuz Museum, Shanghai; and the Peggy Guggenheim Collection, Venice.
국제갤러리는 오는 12월 17일부터 2021년 1월 31일까지 프랑스 현대미술가 장-미셸 오토니엘(Jean-Michel Othoniel)의 개인전 《NEW WORKS》을 개최한다. 이번 전시는 지난 2016년에 열린 국제갤러리 개인전 이후 4년 만에 한국 관람객들을 만나는 자리이자 재개관 이후 K1에서 열리는 두 번째 전시다. K1 두 곳의 전시공간을 적극적으로 활용하는 이번 개인전에서는 새로운 유리조각 작품과 드로잉, 그리고 작가의 작업 경력에서 중요한 의미를 지닌 회화작품까지 총 37점의 신작이 소개될 예정이다. 특히 이번 신작들은 코로나19가 야기한 국제적 재난의 시대, 작가가 세상과 단절된 채 몰두해온 작업들로 우리에게 도래한 새로운(NEW) 창조 및 문화를 상징하는 동시에 혼란한 세상에서도 불변하는 아름다움의 진리를 사유하길 바라는 작가의 염원이 담겨있다.
장-미셸 오토니엘은 다양한 시대와 장소의 의식 행위나 종교적 관습 등을 창작의 영감으로 삼고, 이를 개인의 경험을 토대로 작업으로 풀어왔다. 작가는 특히 이러한 주제를 ‘변형’이 용이한 매체(유리, 황, 왁스 등)를 활용해 표현하는데, 이때 재료를 불로 녹이는 등 인위적인 힘을 가하여 재료의 형태가 바뀌는 순간, 즉 작가 스스로 작업과정에 개입하는 행위에 중점을 두고 예술적 실험을 거듭해 왔다. 뿐만 아니라 작가는 미국, 중국, 인도, 멕시코 등 다양한 문화권의 수공예가들과 협업하며 내용적, 형식적인 측면에서 작업 세계를 끊임없이 확장시켜왔다.
삼청동의 풍경을 면하고 있는 K1의 첫 번째 전시장은 인도 유리공예장인의 전통적인 유리제조법에 영감 받아 시작된 <Precious Stonewall> 연작으로 구성된다. 지난 1969년 뉴욕 동성애 커뮤니티가 미국 경찰에 저항한 스톤월 항쟁(Stonewall Riot)에서 제목을 차용한 이 연작은 오토니엘의 유리 매체의 물성에 대한 끊임없는 탐구 결과이자 그가 목표로 했던 건축적 규모에 도달할 수 있는 가능성을 제시한다. 작가는 2010년 인도 피로자바드(Firozabad)로의 여정에서 만난 수공예가의 장인정신에 큰 감동을 받아 그들의 전통 유리공예 기법을 배우고 협업하기 시작했다. 더불어 집을 짓기 전 땅을 먼저 산 후 벽돌 더미를 쌓아 두는 현지인들의 일상 속 관습에서 영감 받은 작가는 이후 작업 여정에서 이를 지속적으로 마주하면서 벽돌에 담긴 의미를 숙고하고 하나의 조형적 언어로 발전시켰다. 벽돌은 인류 역사 이래 무수한 문화권에서 사용되어온 보편적인 재료이자 가장 원시적이고도 본질적인 주(住) 혹은 삶을 향한 굳은 염원을 은유한다. 작가는 역설적으로 벽돌을 깨지기 쉬운 찰나의 순간을 의미하는 유리로 변환하는데, 특히 이번 전시에서는 여기에 두 가지 색상을 입힌 <Precious Stonewall>을 처음 선보인다. 한편, 전시장 중앙에 위치한 <Stairs to Paradise>는 천국 혹은 지상 낙원에 도달하고자 하는 인류의 열망을 상기시킨다. 벽돌로 만든 설치작품은 조각의 개념을 넘어 공간과의 새로운 관계를 맺는 건축적 장치로 발전되고 이를 통해 작가가 초기부터 탐구해온 작품과 공간과의 관계에 대한 사유가 다시금 발화한다.
첫 번째 전시장과 두 번째 전시장을 잇는 K1의 복도 공간에는 <Precious Stonewall> 연작의 수채화 드로잉 판화 10점이 설치된다. 독일 출신의 20세기 작가 조셉 알버스(Josef Albers)가 바우하우스에서 교수 시절 제작한 ‘글래스 페인팅’을 상기시키는 이 판화들은, 작가의 매체에 대한 탐구를 넘어 기본 조형 요소인 색에 대한 성찰을 보여준다. 이 작품은 투명한 파란색과 어두운 파란색, 노란색과 에메랄드 초록색, 파란색과 회색 등 두 가지 색상의 조합을 통해 벽돌 조각작품의 단순한 재현 혹은 서술을 넘어 오토니엘의 추상 세계를 경험하는 기회를 제공한다.
다음 전시장은 오토니엘의 대표적인 거울 유리 작품과 장미 회화 연작으로 구성된다. 작가의 작품 세계에서 빠질 수 없는 ‘꽃’은 자연에 대한 깊은 경의를 상징한다. 미술가가 되기 이전부터 꽃에 관심을 가져온 작가는 이 대상을 자신의 작품 주제로 빈번히 등장시켜 왔는데, 이번 전시에서는 <루브르의 장미(La rose du Louvre)> 회화 6점과 더불어 장미를 주제로 삼은 신작 회화 4점, 그리고 조각 4점을 함께 선보일 예정이다. 특히 <루브르의 장미>는 2여 년 동안 루브르 박물관의 5,000여 점에 달하는 소장품을 면밀히 살피며 그 역사와 문화적 의미를 연구한 작가가 17세기 바로크 화가인 페테르 파울 루벤스(Peter Paul Rubens)의 역작 <Wedding of Marie de Medici to Henry IV>에 등장한 장미에 영감 받아 만든 작품이다. 금박을 칠한 캔버스에 검정 잉크로 장미를 표현한 이 회화 작품은, 2019년 루브르 박물관 유리 피라미드 건축 30주년을 맞이하여 현대미술가의 작업으로서는 이례적으로 박물관의 초청을 받았고, 이후 해당 작품의 소장까지 성사되었다. 장미 회화 연작들과 함께 선보이는 거울 유리 조각품인 <루브르의 장미(Rose of the Louvre)> 3점은 기존의 유리구슬 작업과 유사하면서도, 분홍색을 활용한 채색을 통해 장미의 생동감을 극적으로 드러낸다. 반면 스테인리스 구슬에 검은색 파우더를 코팅된 또 다른 <루브르의 장미(Rose of the Louvre)>는 빛을 반사하지 않는 육중한 느낌을 내는데, 함께 설치된 조각품과는 대비되는 독특한 분위기로 전시 공간에 하이라이트를 부여한다.
이번 전시는 장-미셸 오토니엘에게 중요한 원천으로 자리잡은 ‘변형’과 ‘변신’이라는 주제가 어떻게 발전 및 진화해 왔는지, 그리고 이를 어떠한 방식으로 다양한 매체를 통해 표현해왔는지 등 작가의 폭넓은 예술 세계를 확인할 수 있는 기회다. 작가는 일상적, 보편적 재료인 벽돌을 오랫동안 사치품으로 여겨진 유리로 변형, 표현함으로써 강인함과 연약함의 충돌 및 대비를 극대화하고, 생명력의 상징인 붉은 장미를 검정색으로 코팅하여 본래의 속성에 변형을 가한다. 그리고 이런 방식은 단순한 예술적 실험을 넘어 실재하는 아름다움이 무엇인지 일깨우며 잊고 있던 환상의 세계로 우리를 인도한다.
작가 소개
1964년 프랑스의 중동부 생테티엔(St. Étienne)에서 출생한 장 미셸 오토니엘은 현재 파리를 기반으로 활동하고 있다. 1989년 프랑스 파리-세르지 고등미술학교(École Nationale Supérieure d’Arts, Cergy-Pontoise)를 졸업하기 전인 1985년부터 조각, 설치, 미디어 작품 등으로 꾸준히 전시활동을 이어 갔고, 유황을 소재로 한 조각작품으로 1992년 독일 카셀 도큐멘타에 참가하면서 현대미술가로서의 존재감을 알리기 시작하였다. 2000년에는 파리 지하철 개통 100주년을 기념하여 팔레 루아얄-루브르 박물관(Palais-Royal - Musée du Louvre)역에 무라노 유리와 알루미늄으로 지하철 입구를 제작한 작업 <야행자들의 키오스크 (Kiosque des Noctambules)>를 통해 국제적으로 주목 받았고, 2015년에는 베르사유 궁전의 정원에 <아름다운 춤 (Les Belles Danses)>를 영구 설치하여 동시대의 영향력 있는 작가로 이름을 올렸다. 2019년에는 루브르 박물관의 초청을 받아 작업한 작품 <루브르의 장미 (La rose du Louvre)>가 현대미술가의 작업으로는 이례적으로 박물관에 영구 소장되어 화제를 모은 바 있다.
주요 개인전으로는 부에노아이레스 키르치네르 문화센터에서 열린 《Nudos Salvajes - Arte y matematicas》(2019), 몬트리엘 미술관 《MOTION - EMOTION》(2018), 생테티엔 현대미술관 《Face à l'obscurité - Facing Darkness》(2018), 세뜨의 옥시타니 현대미술센터와 몽펠리에의 까레 생트 안느 현대미술공간 동시에서 열린 《Géométries Amoureuses》(2017), 도나흐의 괴테아눔 《Invisibility Faces》(2015), 보스톤 이사벨라 스튜어드 가드너 미술관에서의 《Jean-Michel Othoniel: Secret flower sculptures》(2015) 등이 있다. 또한 휴스턴 현대예술박물관(2019), 캉 미술관(2019), 조르주 퐁피두 센터(2018), 그랑 팔레(2017), 팔레드 도쿄(2015), 마이애미 배스 미술관 (2014) 등 유수의 기관의 단체전에 참여하였다. 주요 소장처로는 퐁피두 센터, 까르티에 재단, 루브르 박물관을 비롯하여 뉴욕의 MoMA, 뉴욕 공립도서관, 벨기에 보고시안 재단, 서울 삼성미술관 리움, 상하이 부디텍 유즈 미술관, 베니스 페기 구겐하임 컬렉션 등이 있다.
Jean-Michel Othoniel’s varied artistic vocabulary takes inspiration from spiritual practices and religious traditions rooted in different cultures and generations, as well as from his own personal experiences. Employing “transformable” materials such as glass, sulfur, and wax, the artist deftly uses a wide range of techniques and experiments that can implement “acts of intervention,” where materials evolve and change in form through the application of external forces such as fire and air. Additionally, Othoniel has expanded the boundaries of his practice by collaborating with skilled craftsmen based in Italy, Japan, India, and Mexico.
Facing the streets of Samcheong-dong through its corner windows, the first of the two galleries in K1 showcases new works from the ongoing series Precious Stonewall. Created in dialogue with Indian glass artisans, the title of the series borrows from the historic Stonewall Riot (1969), when the LGBT community stood up against police violence and discrimination in New York City. The new major body of sculptures is a result of Othoniel’s latest research into glass—material the artist most identifies with—and his first attempt at this level of architectural scale. On a journey to Firozabad, India, in 2010, the artist was deeply impressed by local craftsmen working with glass under sweltering heat, which prompted the artist to learn traditional glassmaking techniques of India and together design a new unit of composition: a glass brick. The artist was also struck by the Indian custom of piling bricks prior to building a house, a gesture he repeatedly witnessed throughout the duration of his travels in India. Contemplating the meaning of this distinctive serial form, the artist adopted the construction unit of brick as a formal element of his artistic vocabulary. For Othoniel, the brick is one of the most rudimentary and universal elements shared by all humanity, and symbolizes the primitive yet essential desire for “living.” By reinterpreting the brick into the fragile material of glass, Othoniel brings attention to the innately paradoxical character of the material, as being both solid and precious. For NEW WORKS, Othoniel presents a new version of Precious Stonewall using two distinctive colors. Shown alongside this work in the center of the exhibition space is Stairs to Paradise, which is constructed with blue glass bricks forming a set of stairs. The ethereal work captures the human desire to reach heaven or paradise, framing how the humble modular unit of the brick has led the artist to go beyond sculpture, morphing into an architectural installation that transforms the gallery space.
The passage that connects the first and second exhibition spaces showcases a series of lithographs made from original watercolors that correspond to Precious Stonewall. Recalling the glass paintings produced by the twentieth-century German artist Josef Albers during his years as a teacher at the Bauhaus, the lithographs illustrate Othoniel’s shared passion for color, one of the basic elements of art. A simple composition of two colors—translucent and dark blue, yellow and emerald green, blue and gray, and so on—serves as a frame for the viewer to experience Othoniel’s unique way of seeing the world of abstraction beyond a mere representation of sculptural works.
Featured in the second gallery space is a series of sculptures and paintings depicting roses. The rose is a flower which has long played a key role in Othoniel’s practice and symbolizes his great admiration for nature, often reappearing in his work. As a testament to how the flower has served as an important theme in Othoniel’s artistic vocabulary, the exhibition will feature six pieces from his La rose du Louvre paintings, four new rose paintings, and four rose sculptures. La rose du Louvre paintings are exceptionally meaningful to the artist as they were recently made part of the permanent collection of the Louvre Museum after having been produced as commissioned works for the thirtieth anniversary of the I. M. Pei-designed glass pyramid in 2019. Othoniel has a long relationship with the iconic museum, and after an extensive study of their vast collection, he discovered a rose in Rubens’ The Wedding by Proxy of Marie de Medici to King Henry IV. This form was then transformed into an abstracted version of the rose and painted in black ink on a field of white gold leaf. Also shown are rose sculptures that further epitomize Othoniel’s interest in flowers. Three rose sculptures from the series of Rose of the Louvre, sharing a similar formality with the artist’s earlier mirrored glass sculptures, are coated in pink, highlighting the vitality embedded in the iconic blossom. The black rose, on the other hand, is colored with a dense black matte, thereby creating a powerful tension between the two symbolic flowers.
This highly symbolic exhibition will provide an opportunity to explore how “transformation” and “metamorphosis” serve as central elements in the artist’s practice and how particular materials play a poetic role in his vocabulary. By transforming the everyday, universal unit of bricks into the luxurious material of glass, Othoniel highlights the contrast between strength and fragility. Further, Othoniel transforms the original quality of nature contained in his dynamic roses by explicitly playing with the internal and external, mirroring, and light and dark. His expansive artistic experimentation allows the viewer to contemplate timeless and passionate beauty, and invites the audience to immerse themselves in the artist’s uniquely wondrous and symbolic world.
About the Artist
Born in 1964 in St. Étienne, France, Jean-Michel Othoniel now lives and works in Paris. From 1985, before graduating from the École Nationale Supérieure d’Arts, Cergy-Pontoise in 1989, he actively exhibited sculptures, installations, and media works. Othoniel received international recognition after his participation in dOCUMENTA IX (1992) in Kassel, Germany, where the artist showcased his groundbreaking sulfur sculpture. In 2000, Othoniel received his first public commission to transform the Parisian subway station Palais-Royal – Musée du Louvre in celebration of its hundredth anniversary, for which he installed Le Kiosque des Noctambules, made of Murano glass and aluminum. In 2015, the Palace of Versailles welcomed the artist’s Les Belles Danses as the first permanent installation inside its gardens. In 2019, Othoniel was commissioned to create La rose du Louvre by the Louvre Museum, and the original paintings remain permanently in the collection and in situ.
Recent major solo exhibitions include Nudos Salvajes, Arte y Matematicas (2019) at the Centre Culturel Néstor Kirchner, Buenos Aires; Motion – Emotion (2018) at Musée des Beaux-Arts de Montréal; Face à l’obscurité – Facing Darkness (2018), Musée d’art contemporain de Saint Etienne; Géométries Amoureuses (2017) at Centre Régional d’Art Contemporain d’Occitanie and Pyrénées –Méditerranée à Sète; Invisibility Faces (2015) at Goetheanum, Dornach; and Jean-Michel Othoniel: Secret flower sculptures (2015) at Isabella Stewart Gardner Museum, Boston. Othoniel has also participated in numerous group exhibitions at institutions including the Contemporary Arts Museum Houston (2019); Musée des beaux-arts de Caen (2019); Centre Pompidou, Paris (2018); Grand Palais, Paris (2017); Palais de Tokyo, Paris (2015); and Bass Museum of Art, Miami (2014). His works are housed in numerous renowned collections such as the Centre Pompidou, Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, and the Louvre Museum Paris; Museum of Modern Art and New York Public Library, New York; Boghossian Foundation, Brussels; Leeum Samsung Museum of Art, Seoul; Budi Tek-Yuz Museum, Shanghai; and the Peggy Guggenheim Collection, Venice.
국제갤러리는 오는 12월 17일부터 2021년 1월 31일까지 프랑스 현대미술가 장-미셸 오토니엘(Jean-Michel Othoniel)의 개인전 《NEW WORKS》을 개최한다. 이번 전시는 지난 2016년에 열린 국제갤러리 개인전 이후 4년 만에 한국 관람객들을 만나는 자리이자 재개관 이후 K1에서 열리는 두 번째 전시다. K1 두 곳의 전시공간을 적극적으로 활용하는 이번 개인전에서는 새로운 유리조각 작품과 드로잉, 그리고 작가의 작업 경력에서 중요한 의미를 지닌 회화작품까지 총 37점의 신작이 소개될 예정이다. 특히 이번 신작들은 코로나19가 야기한 국제적 재난의 시대, 작가가 세상과 단절된 채 몰두해온 작업들로 우리에게 도래한 새로운(NEW) 창조 및 문화를 상징하는 동시에 혼란한 세상에서도 불변하는 아름다움의 진리를 사유하길 바라는 작가의 염원이 담겨있다.
장-미셸 오토니엘은 다양한 시대와 장소의 의식 행위나 종교적 관습 등을 창작의 영감으로 삼고, 이를 개인의 경험을 토대로 작업으로 풀어왔다. 작가는 특히 이러한 주제를 ‘변형’이 용이한 매체(유리, 황, 왁스 등)를 활용해 표현하는데, 이때 재료를 불로 녹이는 등 인위적인 힘을 가하여 재료의 형태가 바뀌는 순간, 즉 작가 스스로 작업과정에 개입하는 행위에 중점을 두고 예술적 실험을 거듭해 왔다. 뿐만 아니라 작가는 미국, 중국, 인도, 멕시코 등 다양한 문화권의 수공예가들과 협업하며 내용적, 형식적인 측면에서 작업 세계를 끊임없이 확장시켜왔다.
삼청동의 풍경을 면하고 있는 K1의 첫 번째 전시장은 인도 유리공예장인의 전통적인 유리제조법에 영감 받아 시작된 <Precious Stonewall> 연작으로 구성된다. 지난 1969년 뉴욕 동성애 커뮤니티가 미국 경찰에 저항한 스톤월 항쟁(Stonewall Riot)에서 제목을 차용한 이 연작은 오토니엘의 유리 매체의 물성에 대한 끊임없는 탐구 결과이자 그가 목표로 했던 건축적 규모에 도달할 수 있는 가능성을 제시한다. 작가는 2010년 인도 피로자바드(Firozabad)로의 여정에서 만난 수공예가의 장인정신에 큰 감동을 받아 그들의 전통 유리공예 기법을 배우고 협업하기 시작했다. 더불어 집을 짓기 전 땅을 먼저 산 후 벽돌 더미를 쌓아 두는 현지인들의 일상 속 관습에서 영감 받은 작가는 이후 작업 여정에서 이를 지속적으로 마주하면서 벽돌에 담긴 의미를 숙고하고 하나의 조형적 언어로 발전시켰다. 벽돌은 인류 역사 이래 무수한 문화권에서 사용되어온 보편적인 재료이자 가장 원시적이고도 본질적인 주(住) 혹은 삶을 향한 굳은 염원을 은유한다. 작가는 역설적으로 벽돌을 깨지기 쉬운 찰나의 순간을 의미하는 유리로 변환하는데, 특히 이번 전시에서는 여기에 두 가지 색상을 입힌 <Precious Stonewall>을 처음 선보인다. 한편, 전시장 중앙에 위치한 <Stairs to Paradise>는 천국 혹은 지상 낙원에 도달하고자 하는 인류의 열망을 상기시킨다. 벽돌로 만든 설치작품은 조각의 개념을 넘어 공간과의 새로운 관계를 맺는 건축적 장치로 발전되고 이를 통해 작가가 초기부터 탐구해온 작품과 공간과의 관계에 대한 사유가 다시금 발화한다.
첫 번째 전시장과 두 번째 전시장을 잇는 K1의 복도 공간에는 <Precious Stonewall> 연작의 수채화 드로잉 판화 10점이 설치된다. 독일 출신의 20세기 작가 조셉 알버스(Josef Albers)가 바우하우스에서 교수 시절 제작한 ‘글래스 페인팅’을 상기시키는 이 판화들은, 작가의 매체에 대한 탐구를 넘어 기본 조형 요소인 색에 대한 성찰을 보여준다. 이 작품은 투명한 파란색과 어두운 파란색, 노란색과 에메랄드 초록색, 파란색과 회색 등 두 가지 색상의 조합을 통해 벽돌 조각작품의 단순한 재현 혹은 서술을 넘어 오토니엘의 추상 세계를 경험하는 기회를 제공한다.
다음 전시장은 오토니엘의 대표적인 거울 유리 작품과 장미 회화 연작으로 구성된다. 작가의 작품 세계에서 빠질 수 없는 ‘꽃’은 자연에 대한 깊은 경의를 상징한다. 미술가가 되기 이전부터 꽃에 관심을 가져온 작가는 이 대상을 자신의 작품 주제로 빈번히 등장시켜 왔는데, 이번 전시에서는 <루브르의 장미(La rose du Louvre)> 회화 6점과 더불어 장미를 주제로 삼은 신작 회화 4점, 그리고 조각 4점을 함께 선보일 예정이다. 특히 <루브르의 장미>는 2여 년 동안 루브르 박물관의 5,000여 점에 달하는 소장품을 면밀히 살피며 그 역사와 문화적 의미를 연구한 작가가 17세기 바로크 화가인 페테르 파울 루벤스(Peter Paul Rubens)의 역작 <Wedding of Marie de Medici to Henry IV>에 등장한 장미에 영감 받아 만든 작품이다. 금박을 칠한 캔버스에 검정 잉크로 장미를 표현한 이 회화 작품은, 2019년 루브르 박물관 유리 피라미드 건축 30주년을 맞이하여 현대미술가의 작업으로서는 이례적으로 박물관의 초청을 받았고, 이후 해당 작품의 소장까지 성사되었다. 장미 회화 연작들과 함께 선보이는 거울 유리 조각품인 <루브르의 장미(Rose of the Louvre)> 3점은 기존의 유리구슬 작업과 유사하면서도, 분홍색을 활용한 채색을 통해 장미의 생동감을 극적으로 드러낸다. 반면 스테인리스 구슬에 검은색 파우더를 코팅된 또 다른 <루브르의 장미(Rose of the Louvre)>는 빛을 반사하지 않는 육중한 느낌을 내는데, 함께 설치된 조각품과는 대비되는 독특한 분위기로 전시 공간에 하이라이트를 부여한다.
이번 전시는 장-미셸 오토니엘에게 중요한 원천으로 자리잡은 ‘변형’과 ‘변신’이라는 주제가 어떻게 발전 및 진화해 왔는지, 그리고 이를 어떠한 방식으로 다양한 매체를 통해 표현해왔는지 등 작가의 폭넓은 예술 세계를 확인할 수 있는 기회다. 작가는 일상적, 보편적 재료인 벽돌을 오랫동안 사치품으로 여겨진 유리로 변형, 표현함으로써 강인함과 연약함의 충돌 및 대비를 극대화하고, 생명력의 상징인 붉은 장미를 검정색으로 코팅하여 본래의 속성에 변형을 가한다. 그리고 이런 방식은 단순한 예술적 실험을 넘어 실재하는 아름다움이 무엇인지 일깨우며 잊고 있던 환상의 세계로 우리를 인도한다.
작가 소개
1964년 프랑스의 중동부 생테티엔(St. Étienne)에서 출생한 장 미셸 오토니엘은 현재 파리를 기반으로 활동하고 있다. 1989년 프랑스 파리-세르지 고등미술학교(École Nationale Supérieure d’Arts, Cergy-Pontoise)를 졸업하기 전인 1985년부터 조각, 설치, 미디어 작품 등으로 꾸준히 전시활동을 이어 갔고, 유황을 소재로 한 조각작품으로 1992년 독일 카셀 도큐멘타에 참가하면서 현대미술가로서의 존재감을 알리기 시작하였다. 2000년에는 파리 지하철 개통 100주년을 기념하여 팔레 루아얄-루브르 박물관(Palais-Royal - Musée du Louvre)역에 무라노 유리와 알루미늄으로 지하철 입구를 제작한 작업 <야행자들의 키오스크 (Kiosque des Noctambules)>를 통해 국제적으로 주목 받았고, 2015년에는 베르사유 궁전의 정원에 <아름다운 춤 (Les Belles Danses)>를 영구 설치하여 동시대의 영향력 있는 작가로 이름을 올렸다. 2019년에는 루브르 박물관의 초청을 받아 작업한 작품 <루브르의 장미 (La rose du Louvre)>가 현대미술가의 작업으로는 이례적으로 박물관에 영구 소장되어 화제를 모은 바 있다.
주요 개인전으로는 부에노아이레스 키르치네르 문화센터에서 열린 《Nudos Salvajes - Arte y matematicas》(2019), 몬트리엘 미술관 《MOTION - EMOTION》(2018), 생테티엔 현대미술관 《Face à l'obscurité - Facing Darkness》(2018), 세뜨의 옥시타니 현대미술센터와 몽펠리에의 까레 생트 안느 현대미술공간 동시에서 열린 《Géométries Amoureuses》(2017), 도나흐의 괴테아눔 《Invisibility Faces》(2015), 보스톤 이사벨라 스튜어드 가드너 미술관에서의 《Jean-Michel Othoniel: Secret flower sculptures》(2015) 등이 있다. 또한 휴스턴 현대예술박물관(2019), 캉 미술관(2019), 조르주 퐁피두 센터(2018), 그랑 팔레(2017), 팔레드 도쿄(2015), 마이애미 배스 미술관 (2014) 등 유수의 기관의 단체전에 참여하였다. 주요 소장처로는 퐁피두 센터, 까르티에 재단, 루브르 박물관을 비롯하여 뉴욕의 MoMA, 뉴욕 공립도서관, 벨기에 보고시안 재단, 서울 삼성미술관 리움, 상하이 부디텍 유즈 미술관, 베니스 페기 구겐하임 컬렉션 등이 있다.
INSTALLATIONS
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Teaser Trailer |
PUBLICATIONS
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MEDIA COVERAGE
일간지
Othoniel's glass work reflects joy, sorrow of life
Jan 5, 2021 The Korea Times
눈부신 유리 계단...팬데믹 시대 오토니엘 작가가 전하는 희망
Jan 4, 2021 중앙일보
유리벽돌·구슬로 쌓아올린 '유토피아의 꿈'
Dec 30, 2020 한국경제
움츠러든 우리 일상도…시들지 않는 저 꽃처럼 다시 활짝 필거야
Dec 29, 2020 서울경제
푸른 유리벽돌 너머에…희망이 반짝거린다
Dec 19, 2020 매일경제
